Ministerio de Educación y Cultura

La obra transcurre en un singular Día de los Muertos mientras Frida Kahlo, la reconocida pintora  mexicana, espera a sus imaginarios invitados. Ella convoca a Diego Rivera, Trotsky, André Breton, Nelson Rockefeller, sus amigos y familia, entre muchos otros, así como sus experiencias vividas en París y  Nueva York. En el recuerdo del accidente que le marcó su vida y arte surge inevitablemente la presencia de la Muerte, compañera entrañable de camino. Forman parte de este último acto del gran teatro que fue su vida: su obra, su particular humor, el infaltable tequila, sus cuatachones del alma, los aromas de su cocina, sus convicciones políticas, sus recuerdos, sus miedos, sus dolores, sus amores y por sobre
todas las cosas su gran compromiso con la vida.

A casi cien años del nacimiento de esta gran maestra y artista, nos proponemos danzar sus  pensamientos, su voz, su música y su arte, compartiendo así la riqueza de su mundo. De esta forma  creamos esta pieza donde nos proponemos mostrar su espíritu, jugar con sus palabras, perpetuar sus ideas, y así transmitir a otros lo que ella nos ha transmitido a nosotros: el amor por el arte, pero sobre todo el amor por la vida. Este trabajo parte de la intuición de trabajar sobre China Zorrilla, o mejor dicho, con ella. Una artista inmensa, gran exponente de la cultura de nuestro país. Sus pensamientos nos convocan y nos invitan a crear y a danzar. Partimos de una búsqueda de archivo que derivó en una búsqueda creativa, dando así como resultado una creación colectiva dinámica que maneja los lenguajes de la danza y el teatro en forma fluida.

Es el encuentro casual de dos personas en un andén de trenes. Ella ochenta y tantos años, él cuarenta y algo, no se conocen, solo tienen en común la llegada del tren. Comienza un diálogo al principio absurdo (o eso parece) que se va transformando en algo muy tierno y esa relación marcará a uno de ellos, o quizás a los dos, de ahí en más. La llegada de un tercer personaje nos hace comprender el porqué de la anciana en el andén del tren. El alzheimer, la soledad, los recuerdos, el ir tras el dinero, la rapidez del día a día son algunos temas que el escritor aborda con pluma irónica donde el humor, la ternura y la emoción juegan un papel fundamental. 

Óscar Wilde fue una gran celebridad de la época debido a su gran y aguzado ingenio. Decide enfrentar a su público una vez más y los recuerdos y emociones empiezan a mezclarse entre el pasado y el presente. Su gran amor. Sus conferencias. Sus miedos. La cárcel, … culpable de indecencia grave… hecho traumático. Cuando recuperó su libertad decidió irse a vivir a París y convertirse al catolicismo. Fue un audaz. Desafió a todo y a todos y la sociedad lo castigó duramente por su condición de homosexual. Fue intrépido, atrevido, provocador y talentoso. Una puesta que mezcla la imagen con la palabra donde se ve proyectada una parte de su vida. Es el mejor espejo para narrar su historia, su triste historia.

Verónica acaba de discutir con su madre y se siente incomprendida. Aparecen una zapatera mágica (su hada madrina) y el hombre orquesta (músico) y le muestran a Verónica los zapatos de todas las princesas de los cuentos. Verónica elige tres pares de zapatos: Cenicienta, Bella durmiente y La princesa y la lenteja. Al ponerse esos zapatos revive los cuentos, donde aparecen un príncipe, un rey y una reina. La meta de estos personajes mágicos es que el príncipe y la princesa se casen, tengan muchos hijos y sean felices. Pero Verónica descubre que los matrimonios impuestos no son los mejores y comienza a rebelarse. Al final de la historia se pone en los zapatos de su madre y descubre que es la verdadera heroína de esta y de todas las historias.

Basada en el texto La que sueña de Juan Scuarcia, nos acerca a la vida y obra de una artista desconocida por las páginas de nuestra historia. Olegaria Machado Amor fue una poeta, maestra y  traductora minuana que vivió entre la última mitad del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Vivió una época signada por lo masculino, fue testigo de cruentas guerras civiles, amó e idolatró a hombres y caudillos políticos con la misma pasión. La memoria de los minuanos y algunos documentos nos han acercado diversas anécdotas, entre ellas una historia de pasión y violencia que marcó la vida y obra del personaje. La puesta en escena pretende rescatar los escasos documentos existentes sobre la vida de la poeta así como ficcionar aquellas zonas que hasta el día de hoy se encuentran bajo un manto de misterio. Como artistas pertenecientes a otro tiempo nos formulamos preguntas, dialogamos con el pasado, cuestionamos y nos interpelamos intentando descubrir a esta artista nacida en un tiempo de hombres.

¿Hasta qué límite puede ser llevada una persona para que encaje en la sociedad? Un monólogo  performático basado en la vida de Helena. Una persona que cuenta sus aflicciones, sus desengaños, sus valores y vivencias.
Un personaje en el limbo: un actor que expone su piel, una transformación del espectador. ¿Podrás  conocerla? ¿Podrás traspasarla para ver quién es? Pedazos de vida que se exponen, se pronuncian y se desnudan ante todas las miradas.

El espectáculo, escrito y dirigido por Ximena Echevarría, es producido por Implosivo Artes Escénicas y ha tenido más de treinta funciones, girando en el marco de festivales y ciclos por España (Madrid y  Barcelona), Chile (Santiago de Chile) y Uruguay (Montevideo, Canelones, Paysandú y Rocha).

Es el encuentro casual de dos personas en un andén de trenes. Ella ochenta y tantos años, él cuarenta y algo, no se conocen, solo tienen en común la llegada del tren. Comienza un diálogo al principio absurdo (o eso parece) que se va transformando en algo muy tierno y esa relación marcará a uno de ellos, o quizás a los dos, de ahí en más. La llegada de un tercer personaje nos hace comprender el porqué de la anciana en el andén del tren. El alzheimer, la soledad, los recuerdos, el ir tras el dinero, la rapidez del día a día son algunos temas que el escritor aborda con pluma irónica donde el humor, la ternura y la emoción juegan un papel fundamental.

Basada en el texto La que sueña de Juan Scuarcia, nos acerca a la vida y obra de una artista desconocida por las páginas de nuestra historia. Olegaria Machado Amor fue una poeta, maestra y  traductora minuana que vivió entre la última mitad del siglo XIX y comienzos del siglo XX. Vivió una época signada por lo masculino, fue testigo de cruentas guerras civiles, amó e idolatró a hombres y caudillos políticos con la misma pasión. La memoria de los minuanos y algunos documentos nos han acercado diversas anécdotas, entre ellas una historia de pasión y violencia que marcó la vida y obra del personaje. La puesta en escena pretende rescatar los escasos documentos existentes sobre la vida de la poeta así como ficcionar aquellas zonas que hasta el día de hoy se encuentran bajo un manto de misterio. Como artistas pertenecientes a otro tiempo nos formulamos preguntas, dialogamos con el pasado, cuestionamos y nos interpelamos intentando descubrir a esta artista nacida en un tiempo de hombres.

En la investigación de archivos que Carlos María Domínguez realizó para escribir la novela El Bastardo aparece su madre, Clara García de Zúñiga, a quien la novela le dedica buena parte de la historia. En el Uruguay de fines 
del siglo XIX, entre guerras políticas y familiares, vive esta mujer, que nacida en una familia patricia, la  comprometen a sus 10 años y la casan a los 14 con un hombre por el solo hecho de unir las fortunas familiares. La hipocresía de la época, las violencias sufridas tanto por parte de sus padres como de su marido, la llevan a vivir una vida fuera de los códigos tradicionales. En soledad y privada de libertad, encerrada en una buhardilla del 
ahora Museo Blanes, la palabra agónica de Clara, que entre delirios trae recuerdos, nos va develando una historia de injusticia, de violencia, abuso y robo, por parte de su familia, que con la ayuda de los poderes políticos de la época la declaran incapaz, la despojan de todo sus bienes y la van llevando a la locura, sometiéndola a un juicio que fue una burla como su incesante pedido de justicia. 

Perlita Cucú, murga nacida a principios del 2020 en la ciudad de Montevideo, presenta este espectáculo que se desarrolla a partir de un eje puntual: los cuerpos. Estereotipos, goce, placer, identidad, cambio, transiciones, resistencia, colonización, miedos, miserias, encuentro, abrazo, fuerza y libertad son solo algunos de los conceptos que se tratan a lo largo del espectáculo. Desde la aparición de nuevas corporalidades como metáfora de las “monstruosidades” propias del ser humano, se busca hacer un recorrido por el camino de la aceptación, no solo de una misma, sino también el de aceptar como sociedad a la diversidad. Cuestionamos la necesidad de 
amoldarnos a ciertos patrones, y proponemos hacer un esfuerzo en conjunto (empezando por una/o) de romper con esas estructuras que nos imposibilitan crecer libremente. Perlita Cucú propone un trabajo desde la voz 
y la percusión que parte del género murga como inspiración, desarrollando una sonoridad propia que busca embeberse de otros géneros populares latinoamericanos y pretende construir nuevas formas y lenguajes. El conjunto de voces y diversidades pretende a su vez pensarse e interpelarse como mujeres, nuestros lugares y roles, buscando una participación activa y transformadora en la cultura.

Óscar Wilde fue una gran celebridad de la época debido a su gran y aguzado ingenio. Decide enfrentar a su público una vez más y los recuerdos y emociones empiezan a mezclarse entre el pasado y el presente. Su gran amor. Sus conferencias. Sus miedos. La cárcel, … culpable de indecencia grave… hecho traumático. Cuando recuperó su libertad decidió irse a vivir a París y convertirse al catolicismo. Fue un audaz. Desafió a todo y a todos y la sociedad lo castigó duramente por su condición de homosexual. Fue intrépido, atrevido, provocador y talentoso. Una puesta que mezcla la imagen con la palabra donde se ve proyectada una parte de su vida. Es el mejor espejo para narrar su historia, su triste historia.

Madrecita santa es una espectáculo de la Compañía de danza Martín Inthamoussu, con dirección de Andrea Salazar. Invita a reflexionar sobre algunas vivencias cotidianas vistas por mujeres de entre 22 y 85 años. Con algunos momentos de tensión y algunos de humor logra buscar cómo salir y seguir adelante
en esto que la vida misma nos propone y nos acerca, aun siendo de generaciones tan diferentes. La pieza contiene textos de Jimena Márquez hechos a medida para la obra.

Teléfonos chinos con luces, carpitas que nadie puede desarmar, un auto tatuado, un pedazo de carne en el bolsillo del saco, el perfumol en la heladera y un amor que solo crece… Maternidades en cuarentena, una tragicomedia de la cotidianeidad es una pieza donde a partir de tres monólogos se habilita un foro entre espectadores y actrices. Mujeres que llevan adelante los quehaceres del hogar, con o sin sus parejas; mujeres que teletrabajan; mujeres que se han transformado en maestras, profesoras de inglés, que cuentan el cuento, hacen el collage, graban el video para mandar al jardín, hacen una huerta en el balcón, siguen los tutoriales de cómo hacer un gatito con dos medias; encierran a sus hijes diez minutos en el cuarto para
poder fumar un cigarro sin culpa. Mujeres que aman y son amadas. Madres que se reinventan. El humor es un elemento central y desde la risa empatizamos, nos identificamos y la reflexión compartida construye nuevos sentidos. La música en vivo funciona como nexo, sonoriza los diferentes momentos escénicos y cierra el espectáculo con una canción que sintetiza el espíritu del trabajo. La autoría en el proyecto Maternidades en cuarentena es de todo el equipo, con dirección de Lucía García Aldaya y Carla Larrobla Caraballo. La música es compuesta especialmente para la pieza y es ejecutada en vivo por la misma Natalia Goldberg Hirsch.

Reservas por tel. 1950 3997, mail centroculturalartesano@imm.gub.uy o en boletería de la sala de martes a sábado de 10 a 20 hs.